从小听着收音机里的京剧唱段长大，总觉得戏曲是老一辈人的记忆，直到去年学校推荐参加国戏杯戏曲大赛，我才真正走进这门艺术，才发现“唱念做打”里藏着比想象中更广阔的世界，从最初被选中的忐忑，到站在决赛舞台上的热泪盈眶，这段经历像一把钥匙，为我打开了传统文化的大门，也让我对“传承”二字有了切身的体会。
备赛的日子是从“痛”开始的，我选的是京剧《贵妃醉酒》中的“海岛冰轮初转腾”选段，老师说我眼神里有杨贵妃的娇憨，适合这出“梅派”经典，可“娇憨”好练，“水袖功”和“圆场步”却像两座大山压过来，每天清晨五点半，练功房的镜子还没擦亮，我已经站在把杆前压腿——一开始只能下到腰与桌面平行，膝盖被压得通红，眼泪直打转，却咬牙不敢松劲，因为老师说过：“戏曲的‘稳’，是从骨头里练出来的。”下午唱腔练习更难，“海岛冰轮”的高腔需要气息托住，我常常唱到一半就岔气，嗓子哑得说不出话，就含着润喉糖继续练，对着录音机里的梅兰芳先生原声，一个字一个字抠咬字，直到“初转腾”的“转”字能带出鼻腔共鸣，尾音悠悠不绝。
为了帮我找“醉态”，老师搬来凳子让我单脚站，头顶一碗水，水不能洒，身不能晃。“贵妃醉酒的醉，不是真醉，是心里的愁。”老师扶着我的腰说，“你看她步子踉跄，眼神却要清明，这是‘醉眼朦胧心自明’。”于是我把选段拆成二十个小节，每个动作对着镜子练上百遍：水袖的“抖”要像柳枝随风，“挑”要似指尖含情，“扬”得如长虹贯日，三个月里，我练坏了三双练功鞋，膝盖上的护膝磨出了洞，可当第一次完整唱完选段，看到老师眼里闪着光时，所有的疼都变成了甜。
比赛那天，后台比冬天还冷，我坐在化妆镜前，看着镜子里被油彩勾勒出的杨贵妃：眉间点一朵红梅，鬓边斜插点翠，水袖垂到地面，突然有种穿越时空的恍惚，前一个选手是唱豫剧《花木兰》的，她的“刘大哥讲话理太偏”嗓音高亢，台下的掌声像潮水一样涌来，我手心全是汗，悄悄掐了掐大腿，提醒自己“戏比天大，台上无我”。
当报幕员念出我的名字，聚光灯“唰”地打在身上，音乐响起的那一刻，我突然忘了紧张，我仿佛真的成了杨玉环，在宫廷的月色下，轻移莲步，水袖翻飞，唱到“皓月当空，恰便是嫦娥离月宫”时，看到台下评委微微颔首，眼角似乎有泪光闪过，那一刻我懂了老师说的“戏是活的”——它不是固定的动作和唱腔，而是要把自己的情感融进去，让角色从心里“长”出来。
决赛结果出来时，我得了二等奖，站在领奖台上，看着身边来自全国各地的选手：有穿着厚底靴唱《武家坡》的小武生，有拿着折扇唱《玉堂春》的小花旦，还有用方言唱川剧《白蛇传》的妹妹，我们虽然剧种不同，但眼里都有同样的光，原来戏曲不是“老古董”，它是流动的河，从百年前流到今天，又被我们这些年轻人续上了新的浪花。
这次比赛让我明白，传承戏曲不是要复刻过去，而是要用当代人的理解去演绎它，就像梅兰芳先生改革京剧，让“古装新戏”走进新时代；我们这代人，可以用短视频记录练功日常，用流行音乐改编戏曲选段，让更多同龄人发现：原来戏曲这么酷，现在我还是每天去练功房，只是身边多了几个“戏友”——我们会在周末一起学《牡丹亭》，会在学校艺术节上演《天女散花》，会把戏曲脸谱画在课本上。
有人说，戏曲是夕阳艺术，可我觉得，只要有人愿意为它点亮灯火，它永远会是朝阳，国戏杯像一面镜子，照见了传统文化的魅力，也照见了我们这代人的责任，我想做那个举着灯火的人，让更多人看到：戏曲，从未老去；它只是换了一种方式,活在我们的青春里。
相关问答FAQs
问题1：参加戏曲大赛需要具备哪些基础？完全零基础可以尝试吗？
解答：零基础完全可以尝试！戏曲大赛更看重对艺术的热爱和表现力，基础可以从“听、看、学”入手：先听经典唱段（如京剧《苏三起解》、越剧《梁山伯与祝英台》），感受不同剧种的韵味；看名家演出视频，观察身段、表情的程式化表演；再跟着老师或教程练基本功，如站姿、呼吸、简单的台步，不必追求完美，重点是体验过程，比如从学一句“苏三离了洪洞县”开始，慢慢培养兴趣和乐感。
问题2：戏曲训练很辛苦，如何平衡学业与备赛？
解答：平衡的关键是“规划”和“坚持”，可以制定时间表：每天固定1-2小时练功（比如早晚各30分钟），利用碎片时间背唱词（比如课间、睡前）；周末集中攻克难点动作，如水袖功、身段段，同时要学会“高效练功”，比如用手机录下练习过程，回看纠正错误，避免重复无效训练，最重要的是和家人、老师沟通，让他们理解你的热爱，争取他们的支持——学业和艺术从来不是对立的，戏曲训练培养的毅力和专注力,反而会让学习更高效。
