戏曲电影作为中国传统文化的重要载体,将舞台艺术的精髓与电影的表现手法相融合，为传统戏曲的传承与发展开辟了新路径，在众多地方戏种中，评剧以其贴近生活的题材、通俗易懂的唱腔和生动的表演风格，深受北方地区观众的喜爱，而评剧艺术家白玉霜，则是将评剧从地方舞台推向全国视野的关键人物，她不仅革新了评剧的表演与唱腔，更通过戏曲电影这一新兴媒介，让评剧艺术突破了地域限制，成为具有全国影响力的剧种，本文将从白玉霜的艺术生涯、评剧的艺术特色及其与戏曲电影的结合三个方面，探讨白玉霜对评剧及戏曲电影的贡献。
白玉霜原名李慧敏,1907年出生于河北滦县，是评剧“四大名旦”之一，她自幼随母亲学戏，后拜评剧早期艺术家孙凤龄为师，在继承传统的基础上大胆创新，形成了独具一格的“白派”艺术，白玉霜的艺术生涯恰逢中国社会剧烈变革的时期，20世纪20至30年代，随着城市文化的兴起，评剧从农村的草台班子逐渐进入城市剧场，面对城市观众的审美需求，白玉霜对评剧进行了全面革新，在表演上，她摒弃了评剧早期重唱轻演的倾向，将身段、表情与唱腔紧密结合，塑造了一系列鲜活的人物形象，无论是《珍珠衫》中的田玉卿，还是《杨三姐告状》中的杨三娥，都通过细腻的表演展现出人物的内心世界，在唱腔上，她创造了“大口落子”的唱法，嗓音醇厚低沉，吐字清晰，善于运用“疙瘩腔”和“擞音”，使唱腔既悲凉婉转又富有生活气息，极大地丰富了评剧的 musical 表现力。
白玉霜的成功不仅在于个人艺术成就的突破,更在于她推动评剧从“地方小戏”向“全国性剧种”的转型，她带领剧团长期在北平、天津、上海等大城市演出，吸引了大量市民观众，甚至包括许多知识分子，1934年，上海明星影片公司邀请她主演评剧电影《海棠红》，这是中国第一部评剧电影，也是白玉霜艺术生涯的重要转折点，影片以评剧为载体，讲述了一个曲折的爱情故事，白玉霜在片中饰演女主角海棠红，她将舞台表演经验融入电影镜头，通过特写、近景等电影语言，展现了人物细腻的情感变化，影片上映后引起轰动，不仅让全国观众认识了评剧，更开创了戏曲电影的新模式——将舞台艺术的“写意”与电影的“写实”相结合，既保留了戏曲的程式化表演，又通过镜头语言增强了故事的感染力。
评剧作为流传于华北、东北的地方戏种，其艺术特色根植于民间生活，具有浓郁的乡土气息和世俗化倾向，与京剧的“典雅”不同，评剧更贴近普通人的情感世界，题材多取材于民间传说、社会新闻，如《杨三姐告状》《花为媒》《刘巧儿》等剧目，都以反映家庭伦理、婚姻自由为主题，充满了对现实生活的关注，在唱腔上，评剧属于板腔体，主要板式有【慢板】【二六板】【垛板】【散板】等，旋律简洁明快，易于传唱，早期评剧的唱腔以“小口落子”为主，风格轻快活泼，而白玉霜在吸收河北梆子、大鼓等曲种元素后，创造了“大口落子”，唱腔更加舒展深沉，适合表现悲剧情节，这一革新使评剧的题材和情感表达更加丰富。
表演方面,评剧注重“以情带声，声情并茂”，演员通过唱、念、做、打等手段塑造人物，由于评剧的观众多为普通市民，表演风格力求通俗易懂，动作生活化，避免了京剧过度程式化的夸张，例如在《杨三姐告状》中，杨三娥从悲痛到愤怒的情绪转变，通过跺脚、捶胸、痛哭等生活化的动作，结合富有冲击力的唱腔，让观众感同身受，评剧的语言以北方方言为基础，唱词和念白都贴近口语，这种“俗中见雅”的特点，使其成为最具大众化基础的地方戏种之一。
为了更直观地展示评剧的艺术特色,以下从唱腔、表演、题材、语言四个维度进行梳理：
| 艺术维度 | 特点 | 代表剧目/表现 |
|---|---|---|
| 唱腔 | 板腔体，以【慢板】【二六板】为主；白玉霜创“大口落子”，嗓音醇厚，善用“疙瘩腔”，悲凉婉转 | 《珍珠衫》中的“痴心女子负心汉”唱段 |
| 表演 | 重生活化，动作自然细腻，注重情感表达；结合身段、表情与唱腔，塑造鲜活人物 | 《杨三姐告状》中杨三娥告状时的悲愤表演 |
| 题材 | 多取材民间传说、社会新闻，反映家庭伦理、婚姻自由等现实问题，贴近大众生活 | 《刘巧儿》歌颂婚姻自主，《花为媒》表现爱情喜剧 |
| 语言 | 以北方方言为基础，唱词念白通俗易懂，兼具俗俚与雅致 | 《杨三姐告状》中“告状”念白充满市井气息 |
白玉霜与戏曲电影的结合,是传统戏曲现代化传播的重要尝试，1936年的《海棠红》不仅是评剧电影的开山之作，更是戏曲电影发展史上的里程碑，影片由张石川执导，白玉霜饰演女主角海棠红，她的表演突破了舞台的“第四堵墙”，通过电影镜头的放大，将眼神、微表情等细节呈现得淋漓尽致，例如在“哭坟”一场中，镜头特写海棠红含泪的双眼和颤抖的嘴唇，配合“大口落子”的悲怆唱腔，将人物的悲痛情绪推向高潮，这种“以镜头传情”的方式，是舞台演出无法实现的。
《海棠红》的成功，让电影界看到了戏曲的市场潜力，也推动了评剧的全国性传播，此后，白玉霜又主演了《潘金莲》（1938年）等影片，进一步探索评剧电影的表现形式，在电影中，她保留了评剧的经典唱段和表演程式，同时通过场景、服装、道具的电影化处理，增强了故事的视觉冲击力，例如在《潘金莲》中，她将舞台上的“水袖功”与电影场景相结合，通过镜头切换展现潘金莲复杂的内心矛盾，使这一传统人物形象更加立体。
白玉霜的戏曲电影实践,不仅提升了评剧的艺术地位，更开创了“戏曲电影”这一艺术样片的创作范式，她证明了传统戏曲可以通过电影媒介突破地域限制，走向全国乃至世界；电影也为戏曲注入了新的活力，镜头语言丰富了戏曲的表现手法，使古老的舞台艺术与现代观众产生共鸣，可以说，没有白玉霜的开拓，就没有后来《红楼梦》《梁山伯与祝英台》等经典戏曲电影的诞生。
白玉霜的艺术成就与历史贡献,不仅在于她个人表演风格的创立，更在于她推动了评剧的现代化转型与跨媒介传播，她将民间小戏发展为全国性剧种，将舞台艺术融入电影媒介，为传统戏曲的传承与发展提供了宝贵经验，在当代，戏曲电影依然是传统文化传播的重要方式，白玉霜的实践启示我们：传统艺术的创新，既需要坚守其文化内核，也需要拥抱现代技术，在继承中发展，在创新中传承。
相关问答FAQs
Q1：白玉霜的“白派”评剧艺术对后世有哪些影响？
A1：白玉霜的“白派”评剧以醇厚深沉的唱腔、细腻真实的表演和贴近生活的题材，成为评剧艺术的重要流派，其“大口落子”唱法被后世演员广泛借鉴，如弟子小白玉霜（李再雯）在继承“白派”基础上进一步发展，使“白派”成为评剧流传最广的流派之一，白玉霜对评剧题材的拓展（如引入社会现实题材）和表演形式的革新（注重情感表达），为评剧从“地方戏”向“大剧种”转型奠定了基础，至今仍是评剧创作的核心艺术理念。
Q2：评剧电影在传承评剧艺术中面临哪些挑战与机遇？
A2：挑战在于如何平衡戏曲的“程式化”与电影的“写实性”——过度强调电影化可能削弱戏曲的韵味，而完全保留舞台形式又可能难以吸引现代观众，年轻观众对传统戏曲的认知度下降，评剧电影的受众老龄化问题突出，机遇则在于现代电影技术（如4K、3D、VR）能为戏曲电影提供更丰富的表现手段，例如通过多机位拍摄展现舞台细节，或用特效增强场景氛围；短视频、流媒体平台的兴起，为评剧电影的传播提供了新渠道，可通过碎片化剪辑、幕后花絮等形式吸引年轻群体，推动评剧艺术的“破圈”传播。
