白蛇传作为中国民间叙事的经典，其核心“情”字在戏曲舞台上绽放出跨越时空的魅力，从唐代的《白蛇记》话本到明清的弹词，再到如今各地方剧种的舞台演绎，“情”始终是连接故事与观众的纽带——它不仅是许仙与白素贞超越物种的爱恋，是白素贞对自由与尊严的执着，是姐妹情深的义气，更是悲剧中沉淀的永恒思念，戏曲以唱念做打的综合艺术，将这份“情”具象为可感可知的舞台形象,让千年传说在每一次鼓点与弦乐中重生。

白蛇传的“情”有多重维度，首先是爱情，许仙的“痴”与白素贞的“真”构成了故事的主干，许仙药铺初遇时的一见钟情，端午避祸时的惊慌与守护，断桥重逢时的愧疚与不舍，这些情感在戏曲中通过细腻的唱腔与身段传递，比如越剧《白蛇传》中“断桥”一折，白素贞的水袖翻飞如泣如诉，“小青妹且慢举龙泉宝剑”的唱段，将爱人的哀怨、对命运的愤懑交织，字字含情，其次是反抗之情，白素身为妖却向往人间，不甘被天条束缚，水漫金山是对压迫的激烈反抗，戏曲中的武打设计与高亢唱腔，将这份“情”化为力量，让观众感受到挣脱枷锁的决绝，还有母性之情，被压雷峰塔后产子托付，这份深情在黄梅戏《白蛇传》的“合钵”与“祭塔”中更显悲怆，白素贞的唱腔从哀婉到释然,展现母爱的坚韧与伟大。

戏曲表现“情”的手段丰富多元，唱腔是情感的核心载体，不同剧种根据地域文化与观众审美，赋予“情”不同的音乐表达，越剧的婉转缠绵，适合表现爱情的细腻与柔美，尹派小生的温润与傅派花旦的清亮，让许仙与白素贞的对话如诗如画；京剧的激昂高亢，则强化了冲突中的情感张力，梅派青衣的华美唱腔将白素贞的端庄与刚烈融为一体，尤其在“金山寺”大战中，西皮流水与二黄导板的转换，将爱而不得的悲愤推向高潮，身段动作是情感的延伸，水袖功在戏曲中既是情绪的外化——白素贞悲愤时水袖翻飞如浪，喜悦时轻柔拂面；也是身份的象征，法海的稳重大气与白蛇的灵动飘逸，通过台步与身姿形成鲜明对比，脸谱与服饰也暗藏情感密码，白素贞素衣白裙象征纯洁，后期披风加身凸显反抗；法海的金色脸谱与蟒袍，则强化其权威与冷漠，与白蛇的“情”形成对抗。

不同地方剧种对“情”的诠释各具特色,形成百花齐放的格局：

戏曲对白蛇传“情”的传承，不仅是故事的复述，更是情感的共鸣，传统剧目中，“断桥”“合钵”“祭塔”等折子戏之所以历久弥新，正是因为它们将“情”提炼为具有普遍审美价值的舞台瞬间，而现代改编则在保留核心情感的基础上，融入时代思考——比如新版越剧加入对“人与自然”的隐喻，京剧《雷峰塔》通过白蛇的独白探讨“自由与责任”，让古老的“情”与当代观众对话。

从茶馆戏台到国家大剧院，白蛇传的“情”在戏曲舞台上从未褪色，它让我们相信，无论时代如何变迁，对真挚情感的向往、对自由的追求、对命运的抗争，永远是人类共通的精神密码，当鼓声再次响起，那水袖轻扬间,分明是千年不灭的深情回响。

FAQs
Q：为什么戏曲中的白蛇传常以悲剧结局，这如何体现“情”的价值？
A：悲剧结局并非否定“情”，而是升华“情”，白蛇传的悲剧源于“情”与“天条”“世俗”的冲突，这种冲突强化了“情”的纯粹与珍贵，白素贞被压雷峰塔，却依然心系夫儿，这种“虽九死其犹未悔”的深情，比大团圆结局更具震撼力，戏曲通过悲剧，让观众体会到“情”的坚韧与伟大，它不是一时的欢愉，而是超越生死的坚守，这正是“情”的价值所在。

Q：现代戏曲改编白蛇传时，如何平衡传统“情”的表达与当代审美？
A：现代改编通常从两方面入手：一是形式创新，如运用多媒体舞美增强视觉冲击，将“水漫金山”的奇幻景象通过光影技术呈现，让年轻观众更易沉浸；二是情感深化，在保留传统爱情主线的同时，加入对女性独立、身份认同等当代议题的思考，例如某版粤剧将白素贞塑造成“反抗性别压迫”的象征，既延续了“情”的核心，又赋予其新时代内涵,让传统故事与现代观众产生情感共鸣。